25 największych aktorów XXI wieku (do tej pory)

Kino

Czytaj po hiszpańsku
  • 376

Kameleony lub piękności, gwiazdy lub role postaci — to wykonawcy, którzy przyćmili wszystkich innych na dużym ekranie w ciągu ostatnich 20 lat.

if (!window.Promise || !window.fetch || !window.URL) { document.write('

Jesteśmy w złotym wieku aktorstwa — zdobądź platynę — jak zdaliśmy sobie sprawę, kiedy zdecydowaliśmy się wybrać naszych ulubionych wykonawców filmowych z ostatnich 20 lat. Nie ma recepty na wybór najlepszego (po prostu sprzeczka), a ta lista jest z konieczności zarówno subiektywna, jak i być może skandaliczna w swoich pominięciach. Niektórzy z tych wykonawców są nowi na scenie; inne istnieją od dziesięcioleci. Dokonując wyborów, skupiliśmy się na tym stuleciu i spojrzeliśmy poza Hollywood. I choć z pewnością są gwiazdy w miksie, a nawet nieliczni zdobywcy Oscarów, są też aktorzy charakterystyczni i kameleony, bohaterowie akcji i ulubienicy z domu artystycznego. To 25 powodów, dla których wciąż kochamy filmy, może bardziej niż kiedykolwiek.



25

Gael Garcia Bernal

MANOHLA DARGISKiedy thriller Alejandro Gonzáleza Iñárritu Amores Perros i film drogi Alfonso Cuarona I twoja matka też zostały wydane w amerykańskich domach artystycznych w odstępach rocznych, wstrząsy były sejsmiczne. Ich dyrektorzy wkrótce zaczęli się ścigać na arenie międzynarodowej, podobnie jak Gael García Bernal, ich wspólna gwiazda. Był uzdolniony, trzymał ekran i miał twarz, na którą cały czas patrzyłeś, częściowo dlatego, że — z jego sarnimi oczami i świetlistą szczęką — płynnie połączył ideały kobiecej i męskiej urody.

Ten kontrast nie był szczególnie widoczny w Miłosne psy (2001), ale pomaga wzbogacić cieplejszą Y Tu Mamá También (2002), uduchowioną opowieść o dojrzewaniu, która rozpoczyna się krzykiem, a kończy westchnieniem. García Bernal gra Julio, nastolatka z klasy robotniczej, który wyrusza w podróż odkrywczą (ja, innych). Wraz ze swoim najlepszym przyjacielem (w tej roli Diego Luna), Julio beztrosko toczy się przez życie, dopóki tego nie zrobi. Gdy hałaśliwość opowieści cichnie, młodzieńcze machismo Julio zanika, zastąpione przez zadumę, którą aktor czyni tak fizycznym, że widzisz, jak postać cofa się w sobie.

Do 2004 roku García Bernal pojawiła się w filmie Waltera Sallesa Dzienniki motocyklowe jako młody Che Guevara i grał obłudnego kameleona w filmie Pedro Almodóvara Zła edukacja. Almodóvar postawił aktora na obcasach, by zagrać noirish femme fatale, rolę, której García Bernal najwyraźniej nie lubił robić, ale która pogłębiła jego osobowość dzięki rozmazanej szmince i psychologicznemu chłodowi, który stworzył nowe szoki.

A. O. SCOTTU Pabla Larraína Nie (2013), García Bernal gra Rene Saavedrę, młodego twórcę reklamy w Chile z lat 80., który ma swój zwykły urok. Jest fajny, ale nie onieśmielający; przystojny w tej samej mierze; zabawne, ale nie do punktu nieznośnego; pewny siebie, ale nie palant. Na początku łatwo nie docenić zarówno Rene, jak i Garcíi Bernal, pomylić ich zwyczajną, skromną naturalność z brakiem grawitacji lub rzemiosła. Rene zostaje wciągnięty przez grupę opozycyjnych partii politycznych do produkcji spotów telewizyjnych popierających głosowanie przeciw w referendum przedłużającym dyktaturę Augusto Pinocheta. Zadaniem Rene jest sprzedawanie odrzucenia jako optymistycznego wyboru, uznanie brutalności reżimu Pinocheta, jednocześnie skupiając się na szczęśliwej przyszłości bez niego. Chociaż Rene wierzy w przyczynę, postrzega ją również jako wyzwanie marketingowe, a w jego kłótniach z klientami, współpracownikami i rywalami jest trochę w stylu Mad Men.

To do Garcíi Bernala należy przedstawienie dramatycznego związku między banałami biznesu medialnego a terrorem politycznych represji, i robi to prawie wyłącznie oczami. Pewnej nocy mieszkanie, które dzieli ze swoim małym synem, zostaje zdewastowane, gdy śpią, i w tym momencie rześka Rene rozpływa się w czystym strachu. Następnego dnia wraca do pracy i zarówno on, jak i publiczność mają nowe i głębokie zrozumienie tego, co oznacza praca.

Wypożycz lub kup Nie na głównych platformach streamingowych.

24

Sonia Braga

MANOHLA DARGISNiedawno ponownie obejrzałem Aquarius (2016) na naszą odę do Sônia Braga. Dla tych, którzy go nie widzieli: Braga występuje w roli Clary, pisarki, której mieszkanie wychodzi na Atlantyk. Większość historii opowiada o tym, jak Clara po prostu żyje swoim życiem, pokonując swojego właściciela. Braga idealnie wpasowuje się we wspaniały, nieskomplikowany realizm reżysera Klebera Mendonçy Filho. Jednak tym razem, oglądając film – częściowo pod wpływem, hm, tytułu rozdziału zatytułowanego „Włosy Klary” – zauważyłem, jak Braga ciągle przestawiała swoją bogatą kurtynę włosów. I kiedy to poruszała i opuszczała, zdałem sobie sprawę, że Mendonça nie tylko przedstawiała postać, ale także grającą ją legendę.

A. O. SCOTTTo przypomnienie — podprogowe i jednocześnie bezczelne — że Braga była wielką sprawą w Brazylii i poza nią w latach 70. i 80., odpowiedzią jej narodu na Sophię Loren. Jej filmy z Mendonçą (w tym roku Bacurau oraz Wodnik) nawiązują do tej historii i wykorzystują jej staromodną charyzmę. Ale to nie tylko gwiazdy późnej kariery. Clara to nie Sonia Braga: to bardzo konkretna kobieta z własną historią osiągnięć, romansów i żalu. Ale tylko aktorka z całkowitą pewnością siebie Bragi, jej heroiczna obojętność na to, co myślą o niej inni, może ożywić Klarę.

DARGISTym razem jednak fascynujące mnie w Wodniku było to, że Clara jest także Braga, w tym sensie, że znaczenie postaci jest częściowo kształtowane przez wszystko, co Braga przynosi na ekran, w tym jej historię w brazylijskim kinie jako kobiety o mieszanym pochodzeniu, a także jej przygody w Hollywood. Jest coś fantastycznie wyzwalającego, gdy Braga gra tę majestatyczną kobietę, która ma widoczne zmarszczki i nigdy nie przeszła rekonstrukcji piersi po mastektomii. Jest to szczególnie prawdziwe, biorąc pod uwagę, jak Braga była kiedyś niewolnikiem jako gwiazda seksu. Nie można jej inaczej nazwać, napisał kiedyś krytyk-mężczyzna – no cóż, można ją nazwać aktorką.

SCOTTJej umiejętności przejawiają się w zupełnie inny sposób: Bacurau w tym roku szalenie fantastyczna (i brutalna) alegoria science-fiction Brazylii w kryzysie, która odbiega od realizmu innych filmów Mendonçy, nie rezygnując z politycznej pasji i humanizmu. Braga, część rozległego zespołu, w skład którego wchodzą nieprofesjonalni aktorzy, jest do tego niezbędna. Gra Domingasa, małomiasteczkowego lekarza mającego problem z piciem i czasami szorstkiej osobowości – pozbawioną blasku, komiczną rolę, której nikt inny nie poradziłby sobie z taką głębią i gracją. Albo, jak ujął to Mendonça, w symfonii byłaby fortepianem.

Streamuj Bacurau na Kanał kryterium i Wodnik włączony Netflix .

Reklama

23

Mahershala Ali

A. O. SCOTTMahershala Ali ma jedną z najwspanialszych twarzy we współczesnych filmach — te wyrzeźbione kości policzkowe, wysokie, kontemplacyjne brwi, oczy zabarwione melancholią. Jego obecność w aparacie jest magnetyczna, ale też czujna i przebiegła. Jego bohaterowie skłaniają się ku powściągliwości, powściągliwości, ale ich powściągliwość jest własną formą elokwencji, ich szepty są bardziej dźwięczne niż jakikolwiek krzyk.

Ali zdobył dwa Oscary dla najlepszego aktora drugoplanowego. Pierwszy dotyczył Moonlight (2016), w którym po cichu zburzył trwały stereotyp Hollywoodu. Juan jest dilerem narkotyków, postacią niszczenia społeczności i ukrytej przemocy. Tym, co go jednak określa, jest jego łagodność, bezwarunkowa życzliwość, jaką obdarza Chirona, młodego bohatera. Juan słucha chłopca; odpowiada na jego pytania; w jednej z najbardziej poruszających scen filmu uczy go pływać.

A potem, między pierwszym a drugim aktem, znika. Ale Ali nawiedza film nawet po jego odejściu. Jest zarówno tragicznym, pielęgnującym obrazem męskości, jak i pierwszym człowiekiem godnym miłości Chirona.

MANOHLA DARGISAli po raz pierwszy zwrócił moją uwagę w serialu Netflix House of Cards. Zagrał Remy'ego Dantona, prawnika z Waszyngtonu, którego porozumiewawczy uśmiech może migotać jak ostrzeżenie, sygnalizując niebezpieczeństwo w jego świecie. Remy pojawił się w drugim odcinku w scenie w restauracji, gdzie główny bohater, Frank Underwood (Kevin Spacey), je z dwoma innymi pośrednikami. Remy nie stoi nad siedzącymi mężczyznami, on się pojawia. Wiesz, że Underwood to zła wiadomość, ale kiedy reżyser David Fincher przecina twarz Remy'ego, Ali nagle zmienia temperaturę, porzucając swoją uprzejmą fasadę, by poczuć mrożącą krew w żyłach ostrożność, dając jasno do zrozumienia, że ​​nie rozmawia z mężczyzną, ale z drapieżnikiem .

Byłem tak przyzwyczajony do widywania Alego w garniturze na zamówienie (a czasem na zewnątrz), że z początku nie rozpoznałem go w Moonlight. Nie chodziło tylko o różne garderoby, ale o precyzyjne nastawienie, jakie Ali nadał każdemu mężczyźnie, różnice w ciałach, tak, ale także o to, jak te ciała się poruszają i oznaczają. W House of Cards płynie Remy i były chwile, kiedy myślałem, że patrzę na następnego Jamesa Bonda. W Moonlight Ali tworzy tytaniczną postać, której siła, nawet po zniknięciu z filmu, nadal rezonuje. Aktor kreuje bardzo odmienną postać w Zielona Książka (2018, jego drugi zdobywca Oscara), tym razem z występem – jako muzyk Don Shirley, którego Ali gra jako człowieka i bronioną fortecę – który przewyższa film.

SCOTTPowiedziałbym prawie, że przedstawienie jest przeciwieństwem filmu. Ali jest pełen wdzięku, dowcipny i samoświadomy, podczas gdy Zielona Księga jest niezdarna, żartobliwa i ślepa na własną niewrażliwość. Nie jestem pewien, czy jakikolwiek inny aktor poradziłby sobie z osławioną sceną smażonego kurczaka z tak przebiegłą godnością. To, że zarówno Zielona Księga, jak i Światło Księżyca były najlepszymi zwycięzcami filmowymi, świadczy o sprzecznościach naszej epoki kulturalnej, ale jest dowodem talentu Alego, że jego subtelne rzemiosło i niewzruszona charyzma mogą zakotwiczyć dwa tak odmienne filmy.

Przesyłaj strumieniowo światło księżyca Netflix .

22

Melissa McCarthy

MANOHLA DARGISKiedy krytycy analizują wykonawców komiksów, takich jak Melissa McCarthy, często dotykamy znanych cech, takich jak wyczucie czasu, gracja i elastyczna fizjonomia. Ale mówimy też o aktorstwie. Od czasu przejścia z telewizji na filmy, McCarthy wielokrotnie demonstrowała swój zasięg i z radością pomogła zburzyć regresywne wyobrażenia o tym, kto może zostać gwiazdą filmową. Żaden film nie służył jej lepiej niż Szpieg (2015), w którym gra Susan, nieśmiałą C.I.A. analityk, który został wysłany na dziwaczną misję, która pozwala McCarthy'emu na drobiazg, a następnie rozkosznie się dumnym.

Niezbędne dla wywrotowej zabawy w Spy jest to, jak wykorzystuje konwencje gatunkowe, aby zaprezentować talenty McCarthy'ego, jednocześnie wysadzając stereotypy. Susan zawiera w sobie wielość, najpierw jako samoobronę (tłumi ogień), a później jako wyraz swojego człowieczeństwa. W terenie, niestety, przybiera kilka marnych, tragicznie wystrojonych przebrań – wariacji na temat tego, jak widzą ją inni – zanim przekształci się w seksowną, śmierdzącą fantazję własnego projektu. Gdy Susan spuszcza włosy i zahamowania, McCarthy puszcza się. Jej głos grzmi, jej trzepoczące dłonie zacisnęły się w pięści, jej twarz lalki Kewpie zapełnia się Meduzą. McCarthy nie gra jednej kobiety — ona jest nami wszystkimi z chęcią zemsty.

A. O. SCOTTLee Israel jest zabawny. Dzieli szybki i wściekle agresywny dowcip werbalny z niektórymi innymi dziełami McCarthy'ego, takimi jak Tammy w Tammy (2014) i Mullins w Upał (2013). Ale Lee był prawdziwą osobą, a czy możesz mi kiedyś wybaczyć? (2018) to nie do końca komedia. To też nie jest biografia, ale raczej bardzo specyficzny kawałek queerowego i literackiego życia Nowego Jorku z końca XX wieku, przewleczony przez obraz niedopasowanego kumpla i przekręcony w kaparowy film.

Lee nie jest łatwo lubić lub kibicować. Jest ścierna, pochłaniająca siebie i samo-sabotażująca. Zraża przyjaciół i trzyma się etyki równie słabo, jak i trzeźwości. McCarthy sprzeciwia się przekształceniu swojej historii – która polega na zamianie chwiejnej kariery pisarskiej na lukratywną pracę jako fałszerz listów znanych pisarzy – w przypowieść o wyzdrowieniu lub odkupieniu.

Opowiada o tym, jak Lee i jej pomocnik (wspaniały Richard E. Grant) grają o przetrwanie, buntując się przeciwko losowi, który zgotował im obojętny świat. Tytuł filmu stawia szczere pytanie. Może nie możesz wybaczyć Lee jej potknięć i kłamstw, jej braku szacunku dla słów i uczuć innych ludzi. Ale w żaden sposób nie możesz o niej zapomnieć.

Wypożycz lub kup Szpieg oraz Czy możesz mi kiedyś wybaczyć? na większości głównych platform.

dwadzieścia jeden

Katarzyna Deneuve

W długiej karierze pracującej z autorami, Deneuve reprezentuje pewien rodzaj eleganckiej Francuzki, niezależnie od tego, czy gra zwykłą żonę, pechową właścicielkę bistro, czy nawet irańską matkę. Za tę ostatnią rolę w animowanym Persepolis (2007). Deneuve użyczył głosu postaci opartej na mamie Marjane Satrapi. Poprosiliśmy Satrapi, która wyreżyserowała film z Vincentem Paronnaud, o wyjaśnienie, dlaczego szukała Deneuve.


skąd pochodzi Raquel Welch?

Jeśli mieszkasz we Francji, Catherine Deneuve jest symbolem. Kiedy dorastałem, była marzeniem. Zawsze dokonywała wyborów, które były zbyt zaawansowane jak na jej czasy, bardziej anarchistyczne niż burżuazyjne. Zawsze wyglądała jak bardzo burżuazyjna paryżanka, co nie jest prawdą. Jest buntowniczką, która wygląda jak grande dame.

Pierwsze spotkanie z Catherine Deneuve było jak spotkanie z Bogiem osobiście. Byłem pod wrażeniem. A jednak musiałem ją reżyserować i nie śmiałem jej nic powiedzieć. Przez pierwsze dwie godziny byłem całkowicie sparaliżowany, a ona mnie uspokoiła. Powiedziała mi, bo jest bardzo hojną kobietą: Ty jesteś reżyserem, a ja twoją aktorką. Powiedz mi, co mam robić, a ja to zrobię. Nie zrobiła tego w obecności innych ludzi. Powiedziała: Chodźmy na papierosa i powiedziała mi to na osobności.

Dla charakteru matki potrzebowałam kogoś, kto nie jest tą wieczną matką, która jest bardzo urocza, bo to nie jest moja mama. Moja mama jest bardzo uroczą osobą, ale mówi: Ty to zrób. Ty to robisz. Potrzebowałem kogoś, kto ma moc kobiety, która chce, aby jej córka [uczyniła swoje życie] lepszym i bardziej wyemancypowana. Catherine Deneuve ma ten sposób mówienia, który nie jest żartobliwy, ponieważ nie stara się być lubiana. Jest bardzo szczera. Kiedy z tobą rozmawia, patrzy ci prosto w oczy.

Nie stara się być lubiana. Jest bardzo szczera.

Jest taka scena, kiedy wracam do domu i moja mama zaczyna na mnie krzyczeć: Wiesz, co robią z młodymi dziewczynami w Iranie? Musisz wydostać się z tego kraju. Pamiętam, kiedy to grała, była trochę nieswoja. Próbowała się powstrzymać, jak zwykle. Pomyślałem: Nie, Catherine, naprawdę oszalałaś. Zrobiła to i naprawdę płakała. To było niezwykle wzruszające.

A mimo to, po tylu latach, za każdym razem, gdy ją widzę, bije mi serce. Jest jak lew. Nie jest głośna, nie robi gestów. Ale nawet jeśli jest za tobą i jej nie widzisz, czujesz, że w pokoju jest kot. To jednocześnie bardzo ekscytujące i bardzo niebezpieczne. Jest okrutna i nieustraszona, i to w niej bardzo mi się podoba.— Wywiad przeprowadziła Kathryn Shattuck

Wypożycz lub kup Persepolis na większości głównych platform.

20

Roba Morgana

A. O. SCOTTWielcy aktorzy charakterystyczni są mistrzami paradoksu, jednocześnie nieusuwalnym i niewidzialnym. Niekoniecznie rozpoznajesz ich z jednej roli na drugą, ale zostawiają swoje piętno na każdym filmie, uwydatniając całość nawet w małych partiach.

Jeśli widziałeś Mudbound, Monsters and Men, The Last Black Man w San Francisco i Just Mercy – cztery filmy wydane w latach 2017-2019 – znasz Roba Morgana, niezależnie od tego, czy znasz jego imię, czy nie.

Jako więzień z celi śmierci w Just Mercy jest postacią szczególnie niedramatyczną, cichym człowiekiem, którego dręczą wyrzuty sumienia, bezradność i strach, którego trudna sytuacja uosabia humanistyczne argumenty filmu.

W każdym z pozostałych filmów gra ojca, w Jim Crow South i współczesnej miejskiej Północy – człowieka, który wie więcej, niż chce powiedzieć. Synowie w tych filmach mówią większość, ale Morgan daje wymowny wyraz doświadczeniom, które wykraczają poza główną historię, nawet jeśli ugruntowali ją w większej historii. W Ostatnim czarnym człowieku pojawia się w kilku scenach i wypowiada zaledwie kilka linijek, ale wszystko, o czym jest film – przyjemności i rozczarowania życia na obrzeżach idiosynkratycznego, szybko zmieniającego się miasta – jest wypisane na jego twarzy. Słucha, żuje pestki słonecznika, gra kilka akordów na starych organach i po kilku minutach w jego obecności rozumiesz dokładnie, co musisz wiedzieć.

MANOHLA DARGISCo jakiś czas mały film daje aktorowi szansę na zwiększenie i utrzymanie centrum, co robi Morgan w filmie Annie Silverstein Byk (2020). Gra Abe, byłego jeźdźca rodeo byków ze sztywnymi stawami, krwią w moczu i delikatnym życiem. Po wielu dniach jeżdżenia na bykach, teraz pracuje na ziemi jako torreador, pomagając chronić poległych jeźdźców. Rola Abe, na szczęście, nie jest nadpisywana, co pozwala Morganowi zdefiniować postać przekonująco ucieleśnionym przedstawieniem, którego głowa przechyla się, patrzy na boki i wycofana obecność wyraża posiniaczoną przeszłość i instynkty obronne mężczyzny w stanie emocjonalnym. wycofać się.

Bull powinien dotyczyć tylko Abe, ale zamiast tego skupia się na jego związku z białym, pozbawionym korzeni 14-letnim sąsiadem, Krisem (Amber Havard). Ich losy krzyżują się kwaśno po tym, jak zostaje przyłapana na niszczeniu jego domu i jest kształtowana przez niezasłużony optymizm, który jest fundamentem amerykańskiego kina. Innymi słowy, Abe i Kris ratują się nawzajem. Tym, co ratuje film, jest jednak okno, które Morgan otwiera na Czarnego kowboja i jak spektakl komplikuje ulubione mity Ameryki, w tym postać twardego, stoickiego samotnika. Abe nie przyjeżdża z terytorium Johna Wayne'a; Abe przyjeżdża z zupełnie innej krainy, którą Morgan czyni trzeźwym, nawiedzonym i całkowicie żywym.

Streamuj byka na Hulu .

19

Wes Studi

Wes Studi ma jedną z najbardziej frapujących twarzy na ekranie — wystającą, pomarszczoną i zakotwiczoną w rodzaju przenikliwych oczu, które nalegają, abyś pasował do ich spojrzenia. Pomniejsi reżyserzy lubią używać jego twarzy jako tępego symbolu doświadczenia rdzennych Amerykanów, jako maski szlachetności, cierpienia, bólu, którego nie można poznać tylko dlatego, że nikt nie pytał noszącego ją mężczyzny. Jednak w odpowiednim filmie Studi nie tylko bawi się fasadą postaci; obiera jej warstwy. Mistrz wyrazistego nieprzezroczystości, pokazuje maskę i to, co kryje się pod nią, zarówno myślenie, jak i uczucie.

Pokazuje ci maskę i to, co kryje się pod nią.

Studi wskoczył do świadomości filmowej jako mściwy wojownik Huronów w epickim filmie Michaela Manna Ostatni Mohikanin (1992), postać, którą aktor przekazuje z potężną fizycznością i intensywnością pogardy, zniecierpliwienia, urazy i wściekłości. Robienie dużo małymi było stałym elementem kariery filmowej Studi, która obejmuje także znaczące role w filmach Nowy Świat (2005) i Awatara (2009). Jak wielu aktorów, wykonał swoją część niezapomnianej pracy, zrobił filmy eksploatacyjne i paszę telewizyjną. Często w roli rdzennego Amerykanina grał Geronimo i Cochise; mógłby naprawić więcej błędów filmowych, gdyby westerny nadal były popularne. A gdyby branża była żądna przygód, mógłby również grać więcej typów, takich jak nadzorca schroniska dla bezdomnych w Być jak Flynn (2012), mężczyzna, który nie nosi tego, co Studi nazywa skórami i piórami.

Pouczająco, nie nosi żadnego u Scotta Coopera Wrogi (2017), o życiu i śmierci w Ameryce końca XIX wieku. Studi gra Chief Yellow Hawk, umierającego więźnia czejeńskiego, któremu rząd federalny zgodził się powrócić na ziemie jego przodków. Film jest w dużej mierze zainteresowany jego eskortą, zrujnowanym wojną hinduskim hejterem, granym przez Christiana Bale'a, gwiazdę. Po raz kolejny Studi zapewnia turę wspierającą, która uzupełnia główną rolę – obojętność jego postaci na wściekłość eskorty jest murem, którego nie można przełamać – i pomaga wyrównać równowagę historii. Żółty Jastrząb przeżył wystarczająco długo, by umrzeć na swoich warunkach, przetrwanie, które Studi dokonuje ostatecznego aktu opanowania.

Streamuj wrogów na Netflix .

18

Willem Dafoe

Aktor był ważną postacią w filmach tak różnych, jak Cień wampira (2000) i The Florida Project (2017), za który otrzymał nominacje do Oscara. Był także nominowany do roli van Gogha w biografii Juliana Schnabla, U bram wieczności (2018). Zapytaliśmy Schnabela, dlaczego zwrócił się do Dafoe.

Willem i ja poznaliśmy się ponad 30 lat temu. Od zawsze mieszkał w sąsiedztwie i mieliśmy wielu wspólnych przyjaciół. Oliver Stone kręcił The Doors w Nowym Jorku i pewnej nocy staliśmy wokół planu i to był pierwszy raz, kiedy naprawdę zaczęliśmy rozmawiać.

Jedną rzeczą, która jest bardzo ważna, jest to, że jest bardzo hojnym aktorem. Dba o występy innych ludzi i pomaganie im, będąc dostępnym we wszystkim, co robi. Jest bardzo, bardzo lojalny i bardzo, bardzo mądry. Jeśli masz kogoś, kto jest mądry, może to ulepszyć.

Jest bardzo hojnym aktorem. Dba o występy innych ludzi.

[For At Eternity’s Gate] Potrzebowałem kogoś, kto miałby głębię charakteru, by zagrać van Gogha. I nie chodziło tylko o to, żeby wyglądać jak on. To był ktoś, kto mógł mieć wystarczające doświadczenie życiowe, by być tym facetem. Ludzie myśleli, no cóż, Willem ma 60 lat, van Gogh miał 37, kiedy zmarł. To było dla mnie nieistotne. Po prostu trzeba mieć przeczucie, że komuś zaufać i pomyśleć, że może coś zrobić. Bezgranicznie ufam Willemowi. A ten poziom zaufania działa w obie strony.

Są rzeczy, które nakręciliśmy w Arles po jego przyjeździe, a których nie mogliśmy użyć. Nosił te same ubrania, miał taką samą fryzurę, ale jeszcze nie był tym facetem. Potem był pewien moment, kiedy nagle był. Został przemieniony, przemieniony. Był kimś innym.

Jedną z moich ulubionych scen jest rozmowa z młodym doktorem Reyem, który widzi go po odcięciu ucha i gwarantuje mu, że będzie mógł malować, kiedy będzie w zakładzie. Ta interakcja jest niezwykła, co Willem tam robi. W zasadzie siedzi przy stole i nie ma piekielnie dużo miejsca na ruch. Ale to, co dzieje się na jego twarzy w odpowiedzi na to, co mówi do niego młody lekarz — a także w odpowiedzi na wszelkie inne myśli, które w tamtym czasie wydają mu się przelatywać przez jego umysł — to krajobraz wydarzeń i życie wewnętrzne jak piana. na wierzch waniliowego kremu jajecznego.— Wywiad przeprowadziła Kathryn Shattuck

Wypożycz lub kup W Wrotach Wieczności na większości głównych platform.

Reklama

17

Alfre Woodard

W sprawiedliwym świecie ten wpis wypełniłby mnóstwo wspaniałych występów, zbiór matriarchów, romantycznych bohaterek, diw i złoczyńców, odzwierciedlających pełen zakres darów Alfre Woodarda. Takich ról zawsze brakuje czarnoskórym kobietom, ale nawet w małych rolach w mniejszych filmach lub serialach, Woodard jest niezapomnianą postacią, jednocześnie królewską i całkowicie realną.

Dwa filmy, które dały jej najwięcej miejsca — Steve McQueen 12 lat niewolnika (2013) i Łaskawość Chinonye Chukwu (2019) — oba stawiają kwestię sprawiedliwości na pierwszym planie i w centrum. W każdym z nich Woodard musi dowieść godności swojej postaci i etycznej integralności w obliczu niemożliwie okrutnych okoliczności. Bernadine Williams, naczelnik więzienia w Clemency, której praca obejmuje nadzorowanie egzekucji, uważa, że ​​jej profesjonalizm coraz bardziej kłóci się z jej człowieczeństwem. W 12 Years Mistress Shaw, zniewolona kobieta, której związek z właścicielem plantacji przyniósł jej pewien przywilej, wynegocjowała system oparty na jej odczłowieczeniu.

Sztuka Woodard, jej zaangażowanie w prawdę, jest tym, co widzisz.

Sprzeczności, z którymi zmagają się Bernadine i Mistress Shaw, są większe niż jakakolwiek osoba. Woodard czyni je osobistymi. Samokontrola jest kwestią przetrwania, a Woodard nadaje twarzy obraz odpowiedniego przyzwoitości, podszywając się pod dystyngowaną damę z Południa lub sprawnego biurokratę, którego wymaga sytuacja. Nie tyle pozwala, by maski się ześlizgnęły – może z wyjątkiem niszczycielskich końcowych scen „Clemency” – ile pokazuje koszt i troskę, jakie wiążą się z ich noszeniem. Postacie również występują, grając swoje role o śmiertelną stawkę, a sztuka Woodard, jej zaangażowanie w prawdę, jest tym, co widzisz w przestrzeni między tym, jak się wydają, a tym, kim są.

Streamuj oba Łaska oraz 12 lat niewolnika na Hulu.

16

Kim Min-hee

W Right Now, Wrong Then (2016) Hong Sang-soo spotykają się kobieta i mężczyzna. Piją i piją jeszcze trochę i rozstają się, by spotkać się w drugiej połowie filmu, jak gdyby po raz pierwszy, ustawienie, które przywołuje Dzień Świstaka. Znowu idą do kawiarni, pracowni, restauracji. Jednak podczas gdy ich działania generalnie pozostają takie same, podobnie jak cały łuk wieczoru, wystarczająco się zmieniło – sposób, w jaki na siebie patrzą, tonacja w ich głosach – aby zmienić to drugie spotkanie w coś innego.

Znakomicie dopracowany występ Kim Min-hee znajduje się w centrum filmu, a sama aktorka jest od tego czasu w centrum pracy Honga, pojawiając się w większości jego kolejnych filmów. Hong, uznany autor z domu artystycznego, opowiada skromne historie, które są formalnie zabawne, wrażliwe na ludzką niedoskonałość i przesiąknięte soju. Dzieją się znajome rzeczy, czasem nieznane. Powtarzanie jest często skupieniem na narracji, ugruntowanym w życiu i pięknie obsługiwanym przez świadomą ekspresję Kima.

W minimalistycznym kanonie Honga życie skondensowane jest w codziennych chwilach, rozmowach i sposobie, w jaki ciała pochylają się ku sobie. Różnice w dwóch częściach Right Now, Wrong Then ujawniają nowe aspekty postaci i tworzą między nimi nowe napięcia. Dają też wolną rękę na zakres Kim, pozwalając jej bawić się intonacją, gestami, migotliwymi spojrzeniami. Jednak podczas gdy dwie sekcje filmu wydają się wariacjami tej samej historii, jej występ wydaje się bardziej zlewać, ponieważ – uśmiech po uśmiechu, z odchylonymi i nieruchomymi spojrzeniami – Kim łączy postać w całość.

Jest duża i mała, zmienia się od potwora do myszy.

Poszła na barok w Park Chan-wook's Służebnica (2016), jej najbardziej znany film. W tym dziwacznym, często przewrotnie zabawnym dramacie, którego akcja rozgrywa się w Korei w latach 30., gra japońską szlachciankę, której przed zboczonym wujkiem uratowała jej sztuczka i inna kobieta. Ekstrawaganckie ekscesy i narracyjne zwroty akcji pozwalają Kim korzystać z każdego narzędzia w swoim pudełku. Staje się duża i mała, od potwora zmienia się w mysią, na przemian ukrywa uczucia swojej postaci i pozwala im wpadać w amok. Jej ciało kołysze się, a twarz zniekształca, gdy strach i ból ustępują miejsca ekstazie i uwolnieniu. Postać jest tajemnicą, którą film drażni, ale Kim szalenie odkrywa.

Streamuj Służebnicę na Amazon Prime Video .

piętnaście

Michael B. Jordan

Michael B. Jordan grał prawników, sportowców i superbohaterów, ale jeszcze zanim jego zakres stał się jasny, reżyser Ryan Coogler chciał z nim współpracować. Coogler stworzył trzy funkcje (Fruitvale Station, Creed i Black Panther) oraz gwiazdy Jordana lub współ-gwiazdy we wszystkich z nich. Poprosiliśmy reżysera, żeby wyjaśnił, co takiego w aktorze nas wciąga.

Poznałem Mike'a w 2012 roku, kiedy robiłem research i pracowałem nad scenariuszem dla Owocowa dolina. Był tym, który uznałem za najlepszy do tej roli, zanim go poznałem, na podstawie innych prac, które widziałem w jego wykonaniu – kilka filmów z tego roku, Red Tails i Chronicle, i mnóstwo rzeczy w przestrzeni telewizyjnej . Ale myślałem, że mógłby zagrać Oscara. Wyglądał jak on, ale widziałem też tę umiejętność wzbudzania w nim empatii. Nie wszyscy aktorzy mają to, kiedy od razu zależy ci na kimś i to wywołuje empatyczną reakcję. Miał to. Jako aktor ma też bardzo zaawansowany zestaw narzędzi.

To, co widziałem, to umiejętność wzbudzania w nim empatii.

Był we wszystkich filmach fabularnych, które zrobiłem. I wciąż go obsadzam, bo jest najlepszą osobą do tej pracy. Creed [2015] miał inną postać, o której myślałem, że potrafi dobrze grać. Zanim Mike został aktorem, był sportowcem, jeszcze w szkole podstawowej i liceum. Grał sportowców w telewizji, najsłynniejszą postać w Friday Night Lights, więc Mike czuł, że niektóre z rzeczy, o których wiedzieliśmy, że jego postać będzie musiała zrobić w Creed, doskonale się do tego nadają. To była jego część, która nie miała dużego zasięgu.

I w] Czarna pantera [2018], kiedy on i Chadwick stanęli twarzą w twarz i szli od stóp do głów, wydawało się to wydarzeniem. Ich gwiazdy wschodziły. Obaj byli czołowymi postaciami, kiedy kręciliśmy ten film.

Teraz to, co jest ekscytujące w naszym starzeniu się w branży, to współpraca na różnych stanowiskach. Robi teraz wiele rzeczy za kamerą. I mamy kilka możliwości współpracy poza aktorem i reżyserem.

Jest bardzo ambitny w ujmujący sposób. Zawsze chce iść dalej i stawiać sobie kolejne wyzwania. I to widać w jego występach, ale także w sensie biznesowym. Ta ambicja daje mu otwarty umysł. Ogląda wszystko i nie chce odcinać się od pewnych gatunków czy możliwości. Więc myślę, że niebo jest granicą dla niego i jego kariery.— Wywiad przeprowadził Mekado Murphy

Włącz transmisję strumieniową Czarna Pantera Disney + .

14

Oscar Izaak

A. O. SCOTTChociaż mogę wziąć lub zostawić ostatnie filmy z Gwiezdnych wojen, mam sentyment do niektórych postaci, w szczególności do Poe Damerona, flyboya ruchu oporu, który jest wyznaczonym zaklinaczem trzeciej trylogii. Jako Poe, Oscar Isaac jest w tych filmach atrakcyjną, wyluzowaną postacią, facetem, który wydaje się wiedzieć, co robi.


Dolly parton Boże Narodzenie na placu

Jego bohaterowie nie zawsze mają tyle szczęścia i pewności siebie, ale sam człowiek działa z precyzją kogoś, kto jest wystarczająco pewny swoich umiejętności, by wkroczyć na nowe, ryzykowne terytorium. Poprzednie lato Wewnątrz Llewyna Davisa (2013), Joel i Ethan Coen powiedzieli nam, że początkowo chcieli obsadzić znanego muzyka w roli tytułowej. Zamiast tego znaleźli Izaaka, który powiedział im (według Joela), że większość aktorów, jeśli zapytasz ich, czy grają na gitarze, powiedzą, że grali na gitarze przez 20 lat, ale tak naprawdę mają na myśli to, że mieli gitarę przez 20 lat. Izaak rzeczywiście mógł grać. Kiedy myślę o tym, co sprawia, że ​​jest tak wiarygodny jako aktor, to pierwsza rzecz, która przychodzi mi do głowy. Nie dlatego, że granie na gitarze to taka wielka sprawa, ale dlatego, że Isaac udaje, że robi na ekranie — sprzedaż oleju opałowego (w niedocenionym Roku Najbardziej Przemocy (2014), wymyślanie seksownych robotów (w Ex Machina), latanie X-wingiem fighters — zawsze wierzę, że on naprawdę wie, jak to zrobić, i że obserwuję w akcji jakiś rodzaj autentycznego mistrzostwa.

MANOHLA DARGISKiedy aktorzy robią głębokie pierwsze wrażenie, czasami wiążą się z twoimi pomysłami na to, co mogą zrobić. Po Llewynie Davisie skojarzyłem Izaaka z uduchowioną porażką, z podszytą urazą. Kilka innych ról potwierdziło jego wrodzoną żałobę, w tym rolę oblężonego burmistrza w serialu HBO Show Me a Hero (2015). Ma to częściowo związek z jego ponurym, romantycznym wyglądem i tym, jak jego brwi otaczają jego luksusowe rzęsy. A potem jest jego głos, jego piękne brzmienie, ale także to, jak jego rezonans tworzy intymność. Nawet gdy wkłada go do nosa, jego głos zachowuje cechę bliskości, co jest jednym z powodów, dla których często wydaje się, że brzmi, jakby Llewyn śpiewał bardziej dla siebie niż dla publiczności. Głos Izaaka również łagodzi jego piękno, wciąga. Czasami jednak, jak w Ex Machina, używa tej intymności do czegoś insynuacyjnego, złowrogiego.

Isaac odgrywa drugoplanową rolę w Ex Machina (2015), ale jest niezbędny dla jej atmosfery i mocy. Gra Nathana, podobnego do doktora Frankensteina miliardera technologicznego zaangażowanego w sztuczną inteligencję, który buduje (i niszczy) piękne kobiece androidy. Bezwzględnie krytyczny zastępca dzisiejszych mistrzów cyfrowego wszechświata, Nathan mógł z łatwością zdominować film. Isaac zamiast tego kontroluje swój urok, pozwalając, by przerażające postacie zatruwały powietrze. Zmienne nastroje i zaskakujące spojrzenia Nathana – jego ogolona głowa i pełna broda, okulary i pocięte mięśnie – sprawiają, że trudno mu się go przyjrzeć. Ale kiedy nagle opada, wykonując niesamowity taniec, Isaac ujawnia wszystko, co musisz wiedzieć o Nathanie, w geometrycznej precyzji jego choreograficznych ruchów i szaleństwie w jego oczach. To 30 sekund czystego geniuszu.

Wypożycz lub kup Ex Machina na głównych platformach streamingowych.

13

Tilda Swinton

MANOHLA DARGISTilda Swinton, kobieta o tysiącu twarzy z innego świata, stworzyła wystarczająco dużo osobowości — z niezliczonymi perukami, kostiumami i akcentami — by stać się jedną z nich. Jest gwiazdą, aktorką charakterystyczną, performerką, istotą pozaziemską, oszustką. Jej blada, ostro zarysowana twarz to idealne płótno do malowania i protetyki, zdolne do wytrącania z równowagi bezruchu. Chcesz ją przeczytać, ale nie możesz. To pomaga jej uczynić z niej wspaniałego złoczyńcę, niezależnie od tego, czy gra demona, królową, czy prawnika korporacji. W Julia (2009) upuszcza tę ścianę, by zagrać wymykającego się spod kontroli alkoholika i porywacza dzieci, dając pełny występ, który jest tak instynktowny i przejrzysty, że można zobaczyć wściekłe myśli postaci w pracy, jak małe pasożyty poruszanie się pod skórą.

A. O. SCOTTLubimy chwalić aktorów za zasięg, ale to prawie śmiesznie nieadekwatne określenie na radykalną zmianę kształtu, jakiej dokonuje Swinton. Wystarczy spojrzeć na jeden wątek jej kariery: pracę z Lucą Guadagnino, filmowcem, który podziela jej radość z odkrywania siebie na nowo. w Jestem miłością (2010) zagrała rosyjską żonę włoskiego arystokraty, występując w dwóch językach iw tonacji czysto melodramatycznego złamanego serca. w Większy plusk (2016) prawie w ogóle nie posługiwała się językiem: zdecydowała, że ​​byłoby interesujące, gdyby jej glam-rockowa diva została wyciszona przez operację gardła. W Suspirii (2018) wykonała jedno z wielu swoich podwojeń, występując jako członkini baletomańskiego sabatu czarownic, a także jako starszy mężczyzna, który przeżył Holokaust.

DARGISTo podwojenie kształtuje jej najbardziej androgyniczne występy, w których bez wysiłku rozmywa płeć, potwierdzając (po raz kolejny) nieadekwatność kategorii takich jak mężczyzna i kobieta. Ona jest oboje; ona nie jest. Inne podwojenie ma miejsce, gdy gra bliźniaczki, w 2016 Hail, Caesar! (jako rywalizujący publicyści plotkarscy) oraz w Okji w przyszłym roku (jako wizualnie wyróżniający się bardzo okrutni kapitanowie przemysłu). W każdym z nich Swinton pokazuje nam dwie strony tej samej osoby, podobnie jak w przypadku Michaela Claytona (2007), gdy jej prawnik ćwiczy przed lustrem obłudną gadkę. Gdy prawniczka mówi, przerywa i rzuca uśmiech, widzisz, jak desperacko próbuje zapanować nad odbiciem, które już pęka.

SCOTTTe role mogą być teatralne, ale prawie nigdy nie są efekciarskie. Swinton ma korzenie w tradycji awangardowej — wcześniej w swojej karierze współpracowała z Derekiem Jarmanem i Sally Potter — która podkreśla zmienność tożsamości i zacieranie granic między sztucznością a autentycznością. W ciągu ostatnich 20 lat wniosła część intelektualnego rygoru i koncepcyjnej odwagi tej pracy do Hollywood i nie tylko. Jest nie tylko wyjątkowo ekscytującą performerką, ale także jedną z wielkich żyjących teoretyków performansu.

Wszystkie te filmy Tildy Swinton są dostępne na główne platformy streamingowe .

12

Joaquin Phoenix

Joaquin Phoenix pojawił się w czterech filmach reżysera Jamesa Graya, zaczynając od Podwórka w 2000 roku, w tym We Own the Night (2007), Two Lovers (2009) i The Immigrant (2014). Poprosiliśmy Graya o wyjaśnienie, w jaki sposób aktor rozwinął – i poprawił – swoją własną wizję.

Kiedy zobaczyłem To Die For, powiedziałem: Ten aktor – nie znałem jeszcze nawet jego nazwiska – jest niewiarygodnie dobry w przekazywaniu swojego życia wewnętrznego bez dialogu. To naprawdę ważna rzecz w kinie, bo kamera ujawnia wszystko. Oto aktor, który tak wiele się działo i można było powiedzieć. Pomyślałem: to bardzo interesujący aktor. Chciałbym go poznać. I zrobiłem.

Natychmiast nadawaliśmy na tych samych falach. Lubiliśmy te same rzeczy. Myśleliśmy o rzeczach w ten sam sposób. I od razu go polubiłem. Miał w sobie tę wymiarowość. Przy pierwszym wspólnym filmie [The Yards] jestem pewien, że bardzo go wkurzyłem. Mam bardzo bezpośrednią drogę. Czasami to jest dobre, a czasami nie jest tak dobre. Teraz jestem w tym lepszy. Powiedzmy, że nie zawsze chciałem powiedzieć: Tak, to interesujące, ale spróbujmy tego. Byłem bardziej zainteresowany, Joaq, co ty robisz? To jest do bani, spróbuj innego. I wiem, że bym go sfrustrował, ponieważ jego talent był tak ogromny.

Ma nieograniczoną zdolność zaskakiwania cię w najlepszy sposób i inspirowania do podążania w kierunku, o którym początkowo nie myślałeś, lepszym niż to, co masz na myśli, i rozwija tę ideę. Jest niezwykle pomysłowy. Zawsze myśli i przez lata coraz bardziej się tym zastanawiał. Nigdy nie powiedziałem, że chcę, aby moja wizja była na ekranie. Chcę czegoś lepszego niż to. Chcesz ustalić parametry tego, co masz na myśli, a potem otoczyć się ludźmi, którzy sprawią, że wszystko będzie piękniejsze. Niekoniecznie inaczej, ale bardziej intensywnie, bardziej plastycznie.

Ma nieograniczoną zdolność zaskakiwania Cię w najlepszy sposób.

Chcesz, żeby aktor cię zaskoczył, i to w sposób, który wydaje się spójny z postacią, ale też bardzo interesujący. Joaquin był w tym absolutnie fantastyczny. To inspirujące. Nie wiesz, czego się spodziewać w najlepszym tego słowa znaczeniu. Joaquin Phoenix to jedna z najlepszych rzeczy, jakie kiedykolwiek mi się przydarzyły. Jeśli w ogóle żałuję, to tego, że nie pojawia się w każdym moim filmie.— Wywiad przeprowadził Candice Frederick

Przesyłaj strumieniowo The Yards na CBS All Access .

Reklama

jedenaście

Julianne Moore

A. O. SCOTTNieszczęśliwa amerykańska gospodyni domowa — uśmiechnięta, by zachować pozory w obliczu domowej tragedii i wewnętrznego zamętu — jest trwałym archetypem filmowym. To taki, który Julianne Moore zarówno zbadała, jak i eksplodowała, w Godziny (2002), a zwłaszcza we współpracy z Toddem Haynesem, takimi jak Daleko od nieba (2002).

Akcja tego filmu rozgrywa się w Connecticut w latach 50. XX wieku, ale jest to wyraźnie stylizowany krajobraz, przywodzący na myśl hollywoodzkie melodramaty tamtego okresu. Cathy i Frank Whitaker (Moore i Dennis Quaid) są odciągnięci od ich duszącego małżeństwa przez zakazane pragnienia: Frank dla innych mężczyzn, Cathy dla Raymonda Deagana, czarnoskóry architekt krajobrazu (Dennis Haysbert). Te wykroczenia nie są symetryczne ani przecinające się. W złamanym sercu, upokorzeniu i tęsknocie Frank i Cathy nie mają sobie nawzajem pocieszenia.

Moore mógł umieścić udrękę Cathy w cudzysłowie, przywołując cierpiące divy kina lat 50., jednocześnie mrugając do współczesnej publiczności kontemplującej stare złe czasy z bezpiecznej estetycznej odległości. Zamiast tego idzie do środka, patrząc z duszy kobiety zakorzenionej w swoich czasach i absolutnie nowoczesnej, uwięzionej przez zasady i pozory, a także – przerażająco i ekscytująco – wolnej.

MANOHLA DARGISNieszczęśliwe czy nie, żony mogą być ślepą uliczką dla aktorek, a dla zbyt wielu przychodzi czas, kiedy na zawsze zostały wygnane do kuchni. Moore grała wiele żon i matek, ale jej filmy są czasami bardziej złożone i zaskakujące niż jej filmy, wskazujące na jej wrażliwość i talent. Jednym z powodów, dla których wyrywa swoje postacie ze stereotypów, jest to, że bawi się kodami realizmu, bez względu na to, czy występuje naturalistycznie (Still Alice, melodramat o profesorze z chorobą Alzheimera z 2014 roku), czy też hiperboliczny (David Cronenberg satyra Mapy na Gwiazdy, gdzie jest hollywoodzką hieną). Moore potrafi pięknie uzewnętrzniać wewnętrzny stan postaci, dzięki czemu widzisz uczucia na jej skórze. Ale jest artystką skrajności, a ona i Cronenberg dobrze się bawią, bawiąc się jej gargulcami.

W większości jej praca w Gloria Bell (2019) jest utrzymana w realistycznej tonacji. Gra tytułową bohaterkę, wielkoduszną rozwiedzioną ubezpieczalniczkę z dwójką dorosłych dzieci, byłą dziewczynę, której nie nienawidzi i boleśnie samotne mieszkanie. Sam film jest skromny, intymny, przemyślany i bogaty w ludzkie szczegóły. Gloria nawiązuje romans z mężczyzną. Źle idzie, zrywają. Niewiele dzieje się w zwykłym filmie, ale wszystko dzieje się, ponieważ Gloria z kolei kocha i jest kochana. To historia, która mogła doprowadzić do wiader gównianych i pustych pokazów. Ale Moore i reżyser Sebastián Lelio przekraczają oczywistość. Nie tylko tworzą opowieść o uczuciach kobiety – i byciu – kiedy się zakochuje; tworzą pejzaż emocji, fakturę i kształt wrażliwości. Gloria Moore'a nie płacze i nie śmieje się; pokazuje, jak wygląda miłość od środka. To cud występu.

Włącz transmisję Gloria Bell Ale strefa Prime Video .

10

Saoirse Ronan

Na ile różnych sposobów jedna osoba może osiągnąć pełnoletność? Dorastanie to wiele rzeczy, które młodzi ludzie robią w filmach, ale niewielu aktorów robi to od tak dawna, z takimi niuansami, inteligencją i różnorodnością jak Saoirse Ronan. Dojrzewała na naszych oczach przez ponad połowę swojego życia (ma 26 lat), stając się mądrzejsza, smutniejsza, swobodniejsza i bardziej sobą w każdej nowej roli.

Oczywiście to głównie postacie podlegają tym zmianom. Eilis Lacey (Brooklyn, 2015) odnajduje miłość i niezależność w swoim nowym domu; Christine McPherson (Lady Bird, 2017) uczy się doceniać swoją matkę; Jo March ( Little Women, 2019) odnajduje głos jako pisarka. Sama Ronan, zamieszkująca te kobiety i dziewczęta we wszystkich ich szczegółach, od samego początku była niemal niepokojąco konsekwentna, w pełni zdyscyplinowana i zdyscyplinowana.

W pełni, zdyscyplinowane zarządzanie jej talentami od samego początku.

w Pokuta, w swoim przełomowym występie z 2007 roku zagrała Briony Tallis, spostrzegawczą 13-latkę, która uważa, że ​​rozumie o świecie dorosłych więcej niż ona sama. Ronan nie tylko pasuje do przedwczesnego rozwoju Briony; przekazuje także niestabilną mieszankę dziecięcej niepewności i romantycznej zazdrości, która sprawia, że ​​ta beztroska, potrzebująca, na wpół niewinna dziewczyna czuje się naprawdę niebezpieczna.

I to poczucie zagrożenia utrzymuje się, niezależnie od tego, czy jej postać jest wrażliwa (jak w The Lovely Bones, 2009), czy brutalna (jak w Hanna, 2011). Nawet gdy jest w spokojnych dramatach z epoki lub łagodnych komedii o życiu domowym, Ronan wnosi precyzję żywego srebra, która jest ekscytująca i trochę niepokojąca do oglądania. Dzieje się tak dlatego, że o ile uchwyciła emocjonalną pogodę i specyficzną mowę ciała, powiedzmy, XVI-wiecznej szkockiej królowej lub XXI-wiecznej kalifornijskiej nastolatka, to jeszcze wyraźniej przekazuje sposób, w jaki ci ludzie myślą, jak się czują. być w ich głowach.

Może to brzmieć jak mózgowe, intelektualne podejście do aktorstwa, ale tak naprawdę jest odwrotnie. Najbardziej radykalną i odkrywczą ambicją, jaką aktor może sobie wyobrazić, jest zamieszkanie w innej świadomości i zabranie widzów w tę parapsychologiczną podróż. To coś więcej niż tylko znikanie w roli lub metodyczne uruchamianie równoległych wspomnień. To rodzaj samouprawnionego odrodzenia, jakby Atena mogła wyskoczyć nie z czoła ojca, ale z własnego. To może być przerażające, ale często jest to geniusz.

Włącz transmisję Zadośćuczynienia Na kurek .

9

Viola Davis

Viola Davis kilkakrotnie współpracowała z Denzelem Washingtonem w ciągu ostatnich 20 lat — niezależnie od tego, czy był reżyserem (Antwone Fisher, 2002), gwiazdą (grając Troya Maxsona dla jej Rose Maxson w rodzinnym dramacie Augusta Wilsona Ogrodzenia na Broadwayu, a następnie w filmie w 2016 roku) czy producent (obsadził ją w tytułowej roli w nadchodzącym dramacie jazzowym Wilsona Ma Rainey’s Black Bottom). Poprosiliśmy go o wyjaśnienie, co sprawia, że ​​jest tak niesamowita:

Wiedziałem, że była świetną aktorką, kiedy była na przesłuchaniu Antwone Fisher 20 lat temu. Doświadczyłem jej mocy, siły i talentu [podczas zdjęć]. Przyszła gotowa, z charakterem, a ja w zasadzie po prostu zostawiłem ją w spokoju. Naprawdę nie było jej nic do powiedzenia, ale dziękuję i zróbmy jeszcze jedno.

Jest talentem, który pojawia się raz na pokolenie. Nie zawsze wiesz to od razu, ale wszyscy doświadczyliśmy tego z biegiem czasu. Kiedy byłem z nią w sztuce [Płoty], nawet na próbie, to było jak „Och, OK, ona jest potęgą”. Ma wielką scenę, kiedy w końcu wyładowuje się na Troy; około trzeciego tygodnia prób pokazała, dokąd się wybiera. A ja pomyślałem, że lepiej ją dogonię. Muszę się skoncentrować.

Odnieśliśmy ogromny sukces, więc nigdy nie było wątpliwości, kto zagra tę rolę w filmie. I silna, silna i pokorna kobieta. Reżyser [George C. Wolfe] musiał ją przekonać [o Ma w Czarnym Dnie Ma Rainey]. Ja też. Ona mówiła, że ​​nie umiem śpiewać. Nie mam rytmu, tego typu rzeczy.

Może robić, co chce. Ona ma tyle zdolności.

Całkowicie jej ufam. Dlaczego ktoś chce grać w zespole z Milesem Davisem? Ponieważ jest świetnym współpracownikiem, innowatorem, artystą. Ona jest tym samym. Może robić, co chce. Ona ma tyle zdolności. Jest jedną z najlepszych interpretatorek materiału, z którymi miałam okazję współpracować.— Wywiad przeprowadził Candice Frederick

Wypożycz lub kup Ogrodzenia na głównych platformach streamingowych.

8

Zhao Tao

MANOHLA DARGISOd 2000 roku chińska aktorka Zhao Tao i reżyserka Jia Zhangke zrealizowali kilkanaście filmów fabularnych i krótkometrażowych, dramatów i filmów dokumentalnych, a także dzieła, które opierają się tak schludnej kategoryzacji. Ich sojusz filmowy jest tak holistyczny i znajomy, że trudno sobie wyobrazić, jak wyglądałyby te filmy bez twarzy i ugruntowanej obecności Zhao. Często nazywa się ją jego muzą (będą małżeństwem), ale to nie jest blisko uchwycenia bogactwa jej wkładu – jego poezji, symboliki i emocjonalnej szczegółowości.

W filmach Jii ludzie dużo chodzą i nikt nie przejechał więcej kilometrów niż Zhao, często w czasie rzeczywistym. Była nauczycielka tańca, Zhao porusza się z opanowaniem i płynnością, niezależnie od tego, czy jej bohaterowie przechadzają się po sali (The World w 2005), czy wędrują po opuszczonej szkole (24 City w 2009). W Still Life (2008) Zhao gra Shen Hong, która szuka męża w starożytnym mieście, które zostanie zalane przez kontrowersyjną tamę. Shen Hong jest często widywana w ujęciu średnim i długim, ale kiedy ktoś pyta, czy się śpieszy, Jia przygląda się jej z bliska. Niezupełnie, mówi, a jej twarz wypełnia żal, a może wspomnienia tuż przed wyjściem.

Wielu podróżników Jia mapuje Chiny historia po historii, niezależnie od ich dosłownego lub metaforycznego celu podróży. Może dlatego postawa Zhao wydaje się tak uderzająca. Nawet gdy jej postacie dryfują, robią to z prostymi plecami.

A. O. SCOTTTrwająca transformacja Chin – jej moda, muzyka, gospodarka, architektura i topografia – to wszechogarniający temat Jii, a Zhao jest jej awatarem i przypadkiem testowym. Jest czymś w rodzaju Everywoman, to znaczy ucieleśnia wiele różnych kobiet, czasem w przestrzeni jednego filmu.

W Ash Is Purest White (2019) gra Qiao, który zaczyna jako część gangsterskiej pary w północnym przemysłowym mieście Datong. Ona i jej kochanek Bin są nieustraszeni i czarujący, mimo że Qiao jest połączona przez ojca ze starszym światem rad robotniczych i proletariackiej twardości. To początek XXI wieku i wszystko, co dotyczy Qiao — jej włosy, ubrania, sposób, w jaki przemierza lśniące kluby nocne i zniszczone fabryki — wyraża wiarę w nowoczesność i jej miejsce w niej.

Wtedy wszystko się rozpada. Jej lojalność wobec Bin skazuje ją w więzieniu, a kiedy zostaje wypuszczona, on znika. Jej podróże, łodzią, pieszo, motocyklem i pociągiem, zabierają ją w długą wyczerpującą odyseję z powrotem do miejsca, z którego zaczęła. Jej cierpienie jest nieubłagane, ale stoicyzm sprawia, że ​​momentami staje się niemal komiczny, jakby była jednocześnie bohaterką starego hollywoodzkiego melodramatu i bohaterką sztuki Samuela Becketta. Spektakl to cud wytrzymałości, zakorzeniony w ziemi, ale jakoś większy niż życie.

Stream Ash jest najczystszy biały Amazon Prime Video .

7

Toni Servillo

Toni Servillo jest prawdopodobnie najbardziej znany amerykańskiej publiczności od Wielkie Piękno (2013), nagrodzona Oscarem podróż Paolo Sorrentino po dekadenckich drogach współczesnej rzymskiej elity kulturalnej. Ten film jest tym, co Pauline Kael nazwała imprezą ubraną jak chora dusza Europy, w której występuje Servillo, grający pisarza o szczupłych osiągnięciach i dużej reputacji, jako mistrza hulanek. Ze swoją przystojną, pomarszczoną twarzą i nieskazitelną galanterią Servillo przypomina bardziej ugruntowaną wersję towarzyskiego motyla, który Marcello Mastroianni grał w La Dolce Vita — zdystansowanego, lekko przygnębionego obserwatora-uczestnika-obserwatora w wirującym spektaklu hedonizmu.

Jeśli pociągniesz za wątek współpracy Servillo z Sorrentino, znajdziesz coś bardziej intrygującego i istotnego niż piękno. Oboje pracowali razem nad pięcioma filmami, w tym reżyserskim debiutem Sorrentino, One Man Up, i stworzyli symbiozę, która przypomina niektóre z wielkich partnerstw aktorów i reżyserów z przeszłości: Martina Scorsese i Roberta De Niro; Vittorio De Sica i Sophia Loren; Johna Forda i Johna Wayne'a.

Takie analogie są niewystarczające. Servillo był głównym awatarem w wykopaliskach Sorrentino dotyczących korupcji i hipokryzji — ale także nieprawdopodobnej chwały i absurdalnej odporności — współczesnych Włoch. W szczególności wcielił dwóch najpotężniejszych i najbardziej polaryzujących prawdziwych przywódców politycznych w najnowszej historii kraju: Giulio Andreotti (w szorstkim i satyrycznym Il Divo, 2009) i Silvio Berlusconiego (w epickim i dziwnie czułym Loro, 2019). ).

Docenienie skali tego osiągnięcia wymaga kolejnej serii analogii. Wyobraź sobie, że ten sam aktor został obsadzony w roli Richarda Nixona i Baracka Obamy lub Winstona Churchilla i Margaret Thatcher. Andreotti, siedmiokrotny premier i inicjator rządzącej od dawna Partii Chrześcijańsko-Demokratycznej, był znanym operatorem zaplecza, bystrym i niemal wyzywająco pozbawionym charyzmy. Berlusconi, także seryjny premier, był pełen chełpliwości i uroku, odpychająco obrzydliwy dla niektórych Włochów i nieskończenie przyciągający dla innych.

Ani Il Divo, ani Loro nie są konwencjonalną biografią, a Sorrentino nie jest realistą. W tych filmach panuje teatr władzy, a Servillo w groteskowo sztucznym makijażu przypomina niekiedy lalkę lub polityczną kreskówkę. Podkreśla gadzi przebiegłość i sekretną próżność Andreottiego oraz zręczność i użalanie się nad sobą Berlusconiego. Nawet jeśli nie jesteś zaznajomiony z morską tradycją włoskiej polityki, możesz poczuć dziką komiczną energię tych przedstawień i kryjący się za nimi ogień moralny. To są prawdziwi ludzie! Te rzeczy — morderstwa, łapówki, podwójne krzyże, orgie — wydarzyły się naprawdę!

Ożywia ekstrawaganckie człowieczeństwo — i głęboką tajemnicę — ludzi, którzy żyją po to, by naginać świat do swojej woli.

Ale to, co robi Servillo, to coś więcej niż tylko doskonała satyra skeczowo-komedii. Niczym szekspirowski aktor zagłębiający się w majestat i potworność starożytnych lub wyimaginowanych królów, ożywia ekstrawaganckie człowieczeństwo — i głęboką tajemnicę — ludzi, którzy żyją, by naginać świat do swojej woli. Ujmuje też ich samotność.

Streamuj Loro włączony Hulu ; wynajmij lub kup Il Divo na głównych platformach streamingowych.

6

Utwór muzyczny
Kang Ho

Koreański aktor Song Kang Ho prawdopodobnie po raz pierwszy zwrócił na siebie uwagę większości amerykańskich widzów w najlepszym filmie zdobywcy Oscara w 2020 roku, Pasożyt, grając zubożałego, przebiegłego patriarchę. To była jego czwarta współpraca z reżyserem Bong Joon Ho i poprosiliśmy filmowca o wyjaśnienie, dlaczego wciąż obsadza gwiazdę.

Po raz pierwszy zobaczyłem Song Kang Ho w Zielona Ryba, pełnometrażowy debiut reżysera Lee Chang-donga. Zagrał wiejskiego, drobnego gangstera, a jego występ był tak oszałamiająco realistyczny, że wśród reżyserów krążyła plotka, że ​​był prawdziwym zbirem. Później dowiedziałem się, że był aktorem, który przez długi czas działał na scenie teatralnej Daehak-ro.

Chociaż byłem wtedy pierwszym asystentem reżysera i jeszcze nie reżyserem, chciałem go poznać. Zaprosiłem go więc do biura na kawę w 1997 roku. To była bardziej swobodna rozmowa niż przesłuchanie, ale mogłem powiedzieć, że miał zadatki na molocha.

Kiedy pisałem swój drugi film, Wspomnienia morderstwa (2005) Miałem na myśli Song, by zagrać wiejskiego detektywa, który tkwi w swoich starych zwyczajach i ślepo wierzy w swoje instynkty. Bo urodził się do tej roli i została dla niego stworzona.

[Czy we Wspomnieniach morderstwa, Gospodarz (2007), Snowpiercer (2014) czy Pasożyt ] zawsze wydaje się, że będzie nowa warstwa do odkrycia. Jest jak płótno, które rośnie i rośnie. Bez względu na to, ile pociągnięć pędzlem zastosuję, zawsze jest więcej miejsca do malowania. Nadal nie mogę się doczekać, co wniesie do roli. Dla mnie jest jak niewyczerpana kopalnia diamentów. Niezależnie od tego, czy zrobiłem z nim cztery filmy, czy 40, wiem, że odkryję nową postać.

Potrafi tchnąć życie i surowość w każdą chwilę. Nawet jeśli scena zawiera trudne dialogi lub wysoce techniczne zdjęcia, znajdzie sposób, aby była płynna i spontaniczna. Każde ujęcie będzie inne, a najtrudniejszy dialog będzie wydawał się improwizacją. To zdumiewające i przyjemne być świadkiem.

Potrafi tchnąć życie i surowość w każdą chwilę.

Jego wyjątkowość jako bohatera wynika z jego zwyczajności i przyziemności. Zwłaszcza koreańskiej publiczności Song przedstawia jakość typowego koreańskiego człowieka pracy, sąsiada lub przyjaciela, którego możesz spotkać w swojej okolicy. Dlatego są jeszcze bardziej pochłonięte, gdy widzą tę pozornie codzienną postać konfrontowaną z potworem lub potworną sytuacją w filmach takich jak Host czy Pasożyt.

Wychodzi od tego, co zwyczajne, i podnosi je do głosu niepowtarzalnego i niepowtarzalnego. Uważam, że to właśnie sprawia, że ​​Song Kang Ho i postacie, które zamieszkuje, są naprawdę wyjątkowe.— Wywiad przeprowadził Candice Frederick

Wypożycz lub kup Memories of Murder na głównych platformach streamingowych.

Reklama

5

Nicole Kidman

Artystka, księżniczka, pisarka, muza — Nicole Kidman zagrała je wszystkie, z krótkimi i długimi włosami, z cudowną sztuczną schnoz i fantastycznie wystającym podbródkiem. Potrafi uśmiechać się jak słońce i płakać z taką ilością łez, że chcesz jej wręczyć pudełko chusteczek. W kinie głównego nurtu realizm jest aktorską monetą w handlu, estetycznym wyborem, który pomaga zamienić sztuczność w coś na kształt życia. Dla Kidman, miniaturzystki z lapidarnym akcentem, tworzenie tego realizmu wiąże się czasem z zaciemnianiem piękna (dla roli, a nie nagród), które od dawna ją określało. To także konsekwentna zabawa z kobiecością.

Kidman wkroczyła w XXI wiek u szczytu swojej sławy z Czerwony Młyn! (2001). Następnie pojawiło się kilka innych głośnych pojazdów, w szczególności Godziny (2002), w którym zagrała Virginię Woolf (wskaż schnoz) i złapała ją w sidła Oscara. To było grzeczne ziewnięcie filmu, po którym Kidman wystąpił w filmie Larsa von Triera Dogville (2004), wyrachowanie brechtowskie ćwiczenie, w którym jej postać, po tym, jak została wykorzystana, podnosi broń i pomaga zniszczyć miasto. Kidman wydawał się naprawdę cieszyć ten kawałek.

Od tego czasu nakręciła ponad 40 filmów, niektóre zapadające w pamięć i kilka, o których najlepiej zapomnieć. Podobnie jak inne aktorki, celebrytka Kidman czasami przewyższała swoją bankowość, tworząc sławę, która ma mniej wspólnego z kasą, a więcej z gwiaździstą osobowością utrzymywaną przez przebieg czerwonego dywanu i nadmiar okładek magazynów modowych. Kilka lat filmy pojawiały się i znikały niemal bez uprzedzenia. Mimo to Kidman stale pracowała i nadal podnosiła znikomy materiał, popychając się nawet wtedy, gdy filmy tego nie robiły. Zagrała także wiele matek, co jest niezbędną strategią przetrwania w świecie tak kreatywnym, jak przemysł filmowy.

Jedną z przyjemności wirtuozowskiego wykonawcy jest obserwowanie, jak wznoszą się ponad swój materiał. Kidman robił to wielokrotnie, m.in Narodziny (2004), w której gra wdowę, która zaczyna wierzyć, że 10-letni chłopiec jest reinkarnacją jej zmarłego męża. To pretensjonalna gadka, którą Kidman ozdabia delikatnością i szczyptą emocji. Ona jest po prostu wspaniała w Chłopiec od gazet (2012), rozkosznie wulgarna co to w którym przyćmiewa popisową męską kohortę, na przemian oddając mocz na Zaca Efrona i rozrywając rajstopy w orgiastycznym szale nad Johnem Cusackiem.

Nie możesz oderwać od niej oczu. Nigdy nie możesz.

Niedawno Kidman zagrała w Niszczyciel (2018), ostry thriller Karyna Kusamy o długiej spirali detektywa. Kidman staje się wielka i brutalna — uderza, biega, strzela i pije do szaleństwa — by zagrać ruinę w średnim wieku, której straszne wybory są wyryte w każdym załamaniu i plamie na jej twardej twarzy. Film nie powiódł się, być może dlatego, że był zbyt brzydki dla dzisiejszej publiczności, a może wydawał się zbyt mało rynkowy dla jednej z ulubionych dziewczyn z okładki magazynu Vogue. Ale Kidman jest genialny, zimny, surowy i prawdziwy. Nawet z twarzą zasłoniętą prawie nie do poznania, pozostaje niezaprzeczalna. Nie możesz oderwać od niej oczu. Nigdy nie możesz.

Niszczyciel strumieniowy włączony Hulu .

4

Keanu Reeves

Może jesteś zaskoczony, że Keanu Reeves znajduje się tak wysoko na tej liście. Ale zadaj sobie pytanie: czy kiedykolwiek byłeś rozczarowany, kiedy pojawił się w filmie? Czy możesz wymienić jeden film, którego nie poprawiła jego obecność? Mówimy tutaj o Tedzie Loganie. O Neo. Johna Wicka. Diane Keaton również prowadziła zainteresowanie miłością w Coś musi dać (2003). Ali Wong również prowadził interesy miłosne — facet o imieniu Keanu Reeves! — w Always Be My Maybe (2019). Z pewnością nie ma innej gwiazdy filmowej, która wykazywałaby tak duży zasięg, pozostając sobą tak nieredukowalnie i nieodgadniona.

Czy możesz wymienić jeden film, którego nie poprawiła jego obecność?

Ale dziwnie łatwo go nie docenić. Jak wiele innych rzeczy w latach 90., uznanie Keanu Reevesa w pierwszych fazach jego kariery było obwarowane ironią. Zbyt łatwo było naśmiewać się z pustego, poważnego zamieszania, które definiowało jego bohaterów w filmach Point Break, Adwokat diabła i Matrix, rzutować na niego ich pustkę, przypuszczać, że jego spokojne wody płynęły płytko.

Jednak zawsze był w żartach. I nigdy do końca nie żartuję. W średnim wieku osiągnął nowy poziom osiągnięć, strefę, w której zbiegają się bezartystyczny charakter i samoświadomość. Jest jednym z naszych najbardziej wiarygodnych bohaterów akcji, a także jednym z naszych najbardziej pomysłowych i pomysłowych aktorów. Przetrwał pięknie, stając się jednocześnie smutniejszym i bardziej zabawnym, nie tracąc niewinności z innego świata, która była tam od samego początku.

Czy melancholijny, szyderczy, kochający psy zabójca w filmach o Johnie Wicku to fałszywa forma gatunku, koncert z wypłatą, trening akcji w średnim wieku? Prawdopodobnie. Oczywiście. Z (powiedzmy) Gerardem Butlerem w roli tytułowej byliby zręcznymi, paskudnymi wyrzutkami. To, co robi Reeves, to nadanie serii większej powagi, niż na to zasługuje, więcej humoru niż potrzeba i duszy, której w przeciwnym razie całkowicie jej brakuje.

Jedną z przyjemności oglądania filmów w ostatniej dekadzie było spotykanie go w nieoczekiwanych postaciach. Jako pewnego rodzaju przywódczyni kultu postapokaliptycznego, znana jako The Dream in The Bad Batch, Ana Lily Amirpour w chrupiącej, dystopijnej fantazji z 2017 roku. Jak kreda do sera Winony Ryder w ściernym antyrom-com Victora Levina Ślub przeznaczenia (2018). Jak głos kota o imieniu Keanu in Keanu (2016).

W człowieku jest coś więcej niż tylko suma tych części, które są łamigłówkami i koanami, rozdziałami w stale aktualizowanym podręczniku o meta-nowoczesnej sławie filmowej jako sposobie bycia. Nie jest perfekcjonistą. On jest samą doskonałością. Powiedziano nam dawno temu, a teraz może w końcu w to uwierzymy: to on.

Streamuj lub wypożycz filmy Johna Wicka i inne tytuły Reeves na głównych platformach.

3

Daniel
Day-Lewis

Na początku Tam będzie krwawo (2007) mężczyzna w głębokiej, ciemnej dziurze rytmicznie uderza w ścianę kilofem, wzniecając iskry i kurz. Jest tak przyćmiony, że nie możesz dostrzec jego twarzy, ale jego blada koszula przyciąga wzrok i rzuca na światło kontury jego potężnych ramion i ich maszynowe ruchy. Widzisz go w pełni tylko wtedy, gdy podnosi głowę, by spojrzeć w niebo, powodując, że światło zalewa jego twarz. Oto człowiek — oto Daniel Day-Lewis!

To wprowadzenie tak samo kultowe, definiujące charakter i kształtujące gwiazdy, jak w przypadku Rity Hayworth w Gildzie. Działa również jako miła metafora żmudnego aktu procesu twórczego Day-Lewisa, budowania jego postaci. Jako Daniel Plainview Day-Lewis nie tylko gra głównego bohatera; nadaje ludzki kształt pomysłom i sztuce filmowca Paula Thomasa Andersona. Plainview to wiele rzeczy: człowiek, maszyna, okropny ojciec, drapieżny nafciarz. Jest także manifestacją niszczycielskiej substancji — oceanu ropy — którą gwałtownie wyrywa z ziemi.

Day-Lewis jest jednym z najbardziej szanowanych aktorów ostatniego półwiecza, którego reputacja opiera się na jego olśniewającej filmografii i jest wypolerowana aurą wielkości, która urosła do niemal mistycznych rozmiarów. Jego dobrze nagłośnione przygotowania do ról i naleganie na pozostanie w roli podczas produkcji stały się legendą, przedmiotem podekscytowanych nagłówków i fetyszyzmu fanów. Jego powtarzające się zapowiedzi przejścia na emeryturę tylko poszerzyły jego aurę, podobnie jak jego selektywność: nakręcił tylko sześć filmów w tym stuleciu, kilka arcydzieł. Podobnie jak egzotyczna roślina stulecia, agawa, która kwitnie spektakularnie tylko raz, Day-Lewis wie, jak drażnić nas i robić show.

Day-Lewis wie, jak nas drażnić i robić show.

Wiedza, która zbudowała się wokół niego, jest do pewnego stopnia tylko wersją mityfikacji z czasów metody, która zawsze była częścią tworzenia sławy. To, czego czasami brakuje, to przeczytanie ponad 100 książek, aby przygotować się do tytułowej roli Lincoln (2012) to praca, część przygotowania aktora. Cała ta praca i te książki przypominają, że aktorstwo to także praca, a nie magia, nawet jeśli gra aktora wydaje się, a raczej czuje alchemiczny. Częścią talentu Day-Lewisa jest jego niesamowita umiejętność przekształcania ciężkiej pracy w postać, która płynnie służy wizji reżysera.

Wiele zależy od tej wizji. I właśnie w tym momencie muszę z przykrością wspomnieć Dziewięć (2009) katastrofalne szaleństwo, któremu Day-Lewis pilnie służy, ale którego nie może uratować. w Gangi Nowego Jorku (2002), dla kontrastu, jego występ jako Bill the Butcher jest apoteozą ambicji tego filmu, więc kiedy nie ma go na ekranie, obraz pryska. Sztuka Day-Lewisa to osmoza między nim a jego reżyserami. Do tej pory jego najpełniej oddane role miały miejsce w dwóch filmach, które nakręcił z Andersonem, ostatnio Widmowa nić (2017), której piękno, głębia i dziwactwa Day-Lewis wchłania, przekształca i genialnie załamuje.

Kup lub wypożycz Wątek fantomowy na większości głównych platform.

2

Isabelle Huppert

MANOHLA DARGISNieustraszona i hipnotyzująca, czasem przerażająca, czasem dziwaczna, Isabelle Huppert wcieliła się w zdumiewające role w swojej karierze, bez wysiłku przechodząc od łez do wrzasków, od najprostszych historii do najwspanialszych. Zagrała w ponad 50 filmach tylko w tym stuleciu, pracowitość, która świadczy o jej ambicji i popularności, ale także sugeruje wilczy głód, który można zobaczyć w jej aktorstwie. Uwielbiam wiele jej występów, ale szczególnie urzekają mnie jej potwory, jej przerażające, niewypowiedziane kobiety.

A. O. SCOTTCzy ktoś powiedział? Nauczyciel fortepianu ? Ten film z 2002 roku jest przerażającą siłą żądzy, okrucieństwa, masochizmu i muzykalności. Tytułowa Erika Kohut popada w obsesję na punkcie studentki, a Huppert z lodowatą precyzją i operową intensywnością dokonuje jej popadania w szaleństwo. Boimy się o nią, czy boimy się jej?

Huppert jest wirtuozem w tego rodzaju dwuznaczności, w łamaniu utartych kodów dotyczących kobiecej bezbronności i feministycznej samostanowienia, w przeciwstawianiu się przypuszczeniom o źródłach kobiecej twardości i kruchości. Jednym z moich ulubionych przykładów jest Claude Chabrol’s Komedia mocy (2007), w którym gra sędziego, który wykorzenia korupcję we francuskiej elicie politycznej i biznesowej i walczy z silnie zakorzenioną siatką starych chłopców. Imię postaci to Jeanne Charmant Killman, co może wydawać się trochę na nosie, ale jednocześnie oddaje trochę wdzięku, zabójczego uroku Hupperta.

DARGISRole, które zaoferowano Huppert i te, których szukała, odegrały kluczową rolę w jej tworzeniu. Na początku swojej kariery współpracowała z filmowcami — Jean-Luc Godardem, Maurice Pialat i oczywiście Chabrol — którzy dali jej twórczą przestrzeń do rozwoju. Nigdy nie miałaby porównywalnej kariery w amerykańskich filmach (wzdrygam się na myśl o jej debiucie na Sundance), gdzie postacie rzadko są niejednoznaczne i często kształtowane przez mdłe imperatywy, takie jak powiązanie i odkupienie.

Huppert słynie z tego, że popada w skrajności, choć postrzegam to jako zainteresowanie pełnią egzystencji, łącznie z obrzydliwością i tabu. Jej postacie kipią życiem, niektóre brzydkie, jak w Ona (2016), prowokacja Paula Verhoevena dotycząca traumy i psychozy. Aktorka zawsze zaskakuje (podejrzewam, że inaczej by się znudziła), ale tutaj, jako kobieta konfrontująca się z męską przemocą, Huppert robi coś, co w filmach rzadko się zdarza: szokuje. Z rozdzierającym dowcipem — jej dziwaczne uśmiechy kpią z pobożności publiczności — zamienia tajemnicę innej osoby w thriller. Uwielbiam to, że zmusza mnie do patrzenia nawet wtedy, gdy nie chcę.

SCOTTCzy ktoś powiedział? Greta ? To był kiepski thriller z 2019 roku, w którym Huppert zagrał prześladowcę psycho-mamusi, żerującego na zroszonej uczennicy college'u, granej przez Chloë Grace Moretz. Wspominam o tym tylko dlatego, że rodzaj tajemnicy, do której się odnosisz — lotny związek dowcipu, uroku i woli — dominuje w tym filmie, który Huppert czyni bardziej intrygującym, niż ma do tego prawo. Zabawniejsze i przerażające.

Nie ma nikogo innego z jej połączeniem intensywności i powściągliwości. Dzieje się tak zwłaszcza w filmach, w których jej postać jest zaangażowana w totalną walkę o przetrwanie, jak Claire Denis Biały materiał (2010). Huppert gra francuskiego właściciela plantacji, który kurczowo trzyma się ostatnich przywilejów kolonialnych w afrykańskim kraju nękanym przemocą. Wie, że jej życie jest w niebezpieczeństwie, że jej sposób życia się wymyka, a także, że w szerszym historycznym schemacie rzeczy może zasłużyć na swój los. Nie ma tu użalania się nad sobą i prawie żadnego dramatu w konwencjonalnym sensie. Po prostu czysty nerw.


lista nominacji do nagród akademii

Streamuj lub wypożycz Elle, The Piano Teacher i nie tylko na większości głównych platform.

1

Denzel Washington

A. O. SCOTTKłóciliśmy się i kłóciliśmy o każde inne miejsce na liście, ale nie było wahania ani debaty na temat tego.

Denzel Washington jest poza kategorią: tytan ekranu, który jest także subtelnym i wrażliwym rzemieślnikiem, z poważnym, staromodnym treningiem na scenie i obecnością płonącej gwiazdy filmowej. Potrafi robić Szekspira i Augusta Wilsona, nikczemność lub bohaterstwo akcji. Jest także jednym z najlepszych aktorów zwykłych facetów. Kto może zapomnieć o swoich wojowniczych sztywniakach w? nie do zatrzymania (2010) i The Taking of Pelham 123 (2009), para wielkich, hałaśliwych filmów o tematyce pociągów w reżyserii Tony'ego Scotta? Żaden z nich nie jest arcydziełem, ale nigdy nie męczy mnie oglądanie Waszyngtonu w pracy.

MANOHLA DARGISSprawia, że ​​praca — przez którą mam na myśli aktorstwo — wygląda jak oddychanie. Nie bez powodu był idealny jako Easy Rawlins w Devil in a Blue Dress, wczesnej roli definiującej. Od tego czasu zagrał wiele postaci, które ucieleśniają prawo lub przestępczość, a niektóre istnieją w przestrzeni dzielącej te dwie rzeczy. Po drodze stał się dominującym totemem pewnego rodzaju męskiego autorytetu, jak przed nim John Wayne i Clint Eastwood. Waszyngton może wyrażać udrękę bezbronności, ale może górować jak kolos, wznosząc się nad światami jak patriarcha Starego Testamentu – to niezwykłe, biorąc pod uwagę reprezentacje czarnej męskości na ekranie nie tak dawno.

SCOTTTen autorytet jest wiarygodny nawet wtedy, gdy filmy są… mniej. Księga ocalenia (2010)? Korektor (2014)? Mężczyzna w ogniu (2004)? Jedną z rzeczy, które najbardziej w nim kocham, jest to, jak wspaniale gra mężczyzn, którzy wydają się nie wymagać ani nawet nie zasługiwać na miłość. Pomyśl o Whip Whitaker w Lot (2012), niezwykle utalentowany pilot linii lotniczych, który jest także epickim wrakiem pociągu. Nie miły facet, ale tak pełny, złożony i żywo urzeczywistniony człowiek, jakiego można zobaczyć na ekranie kinowym.

DARGISJak wszystkie gwiazdy, aktorstwo Waszyngtona czuje się nierozerwalnie związane z jego charyzmą, kombinacją, która jest uwodzicielska, ale może przytłaczać filmy, jak na przykład brutalny garnek Antoine'a Fuqua Dzień treningowy (2001). Waszyngton jest rewelacyjny jako zły detektyw: jest luźny, seksowny, przerażający, ale o wiele większy niż życie, że zmniejsza film. W Locie jego magnetyzm pogłębia tragedię bohatera; to daje mu dumny spacer, ale jest również częścią jego rozpadającej się fasady. Niewiele ról daje Waszyngtonowi tyle pracy, z pewnością nie filmy z dwoma jego ulubionymi reżyserami, Fuquą i Scottem, którzy wywołują wiele zamieszania, w którym Waszyngton bardzo wygodnie się osiedla i skupia.

SCOTTByć może miarą jego potęgi jest to, jak konsekwentnie jest lepszy niż w filmach, w których jest. Pośród długiej serii doskonałej pracy – trenerów i gliniarzy, gangsterów i prawników – jest kilka pomników, które w pełni pokazują ten ogromny talent. Malcolm X to jeden, a Troy Maxson w Fences (2016) to kolejny. Jest tyle bólu i dumy w tym przedstawieniu, które w jakiś sposób mierzy ciężar amerykańskiego rasizmu na ciele i duszy pojedynczej osoby, nie czyniąc z niej symbolu czegokolwiek. Sposób, w jaki Waszyngton wkracza do tego filmu, jego ramiona kołyszą się mocą atlety, jego sylwetka jest wyszczerbiona przez całe życie, to chwila czystej cielesnej elokwencji, której towarzyszy strumień wernakularnej poezji, która wychodzi z jego ust.

DARGISCóż, wykraczanie poza twój film od dawna jest znakiem rozpoznawczym prawdziwej sławy! Aktorzy zawsze wybierają role z różnych powodów — wieku, harmonogramu, gustu, wygody, wynagrodzenia — i spraw rasowych. Waszyngton lubi grać postacie zorientowane na cel i mężczyzn, którzy robią poważne wrażenie za pomocą broni, fizycznych ekstremów lub słów. Lubi robić duże rzeczy. Mógł robić filmy artystyczne i prowokacyjne małe indies, ale tego nie robi. Może nie jest zainteresowany; na pewno nie musi. W końcu jest Denzelem Washingtonem, gwiazdą, której kariera – w jej długowieczności i dominacji – jest poprawą i naganą dla rasistowskiego przemysłu, w którym pracuje. Wyobrażam sobie, że robi dokładnie to, czego chce.

Streamuj lub wypożycz Lot, dzień szkolenia i nie tylko na większości głównych platform.

OBRAZY 25: Filmy IFC; 24: Kino Lorber; 23: A24; 22: Larry Horricks/20th Century Fox; 21: Warner Bros. (Tancerka w ciemności); Bac Films (Opowieść bożonarodzeniowa); Funkcje Focus (8 kobiet); filmy mandaryńskie (Potiche); 20: Warner Bros. (Just Mercy); Steve Dietl/Netflix (Błotni); 19: Entertainment Studios Motion Pictures za pośrednictwem Photofest; 18: Lily Gavin/CBS Filmy; 17: neon; 16: Amazon Studios/Magnolia Zdjęcia; 15: Matt Kennedy/Marvel, Disney; Barry Wetcher/Warner Bros.; Ron Koeberer/Weinstein Company; 14: Alison Rosa/CBS Films; 13: Obrazy magnolii (Julia); Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria); Warner Bros. (Michael Clayton); Kimberly French/Netflix (Okja); 12: Anne Joyce/Weinstein Company (Imigrant); Anne Joyce/Columbia Pictures (We Own the Night); Barry Wetcher/Miramax Films (Podwórka); 11: Funkcje ostrości za pośrednictwem Photofest; 10: Merrick Morton/A24; Merie Wallace/A24; 9: Najważniejsze zdjęcia; 8: Cohen Media Group; 7: Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Media Group; 6: Obrazy magnolii (Gospodarz); CJ Entertainment (Wspomnienia morderstwa); Neon (Pasożyt); 5: Anne Marie Fox/Millennium Entertainment; 4: David Lee/Lionsgate; 3: Melinda Sue Gordon/Paramount Vantage; 2: Kino Międzynarodowe; 1: Paramount Pictures (Lot); Robert Zuckerman/Warner Brothers (Dzień szkolenia); Rico Torres/Columbia Pictures (Zdobywanie Pelhama 1 2 3); Scott Garfield/Columbia Pictures (Korektor)
Projekt: Gabriel Gianordoli.
Wyprodukowane przez Alicię DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben i Josephine Sedgwick.

Przeczytaj 376 komentarzy